De 10 Beste Australische Fotografen Die U Moet Kennen
Justine Khamara
Justine Khamara (1971) onderzoekt en daagt de grenzen van het fotografische uit medium, het opnieuw interpreteren van fotografische portretten en het bevragen van hedendaagse noties van zijn. Haar driedimensionale sculpturale en collagewerk biedt een manipulatie van de werkelijkheid die zich bezighoudt met noties van zelfrepresentatie in een tijdperk van instant, eindeloos generatieve (her) productietechnologieën. Haar oeuvre bevat dun gesneden foto's en afbeeldingen van een enkel onderwerp dat vanuit meerdere invalshoeken is vastgelegd. Erysicthon's Ball (2010) is geïnspireerd door de Griekse mythe van Erysicthon, koning van Thessalië, om de ijdelheid van moderne samenlevingen ter discussie te stellen in de wijdverspreide, zelf-geabsorbeerde activiteit van het nemen van meerdere afbeeldingen van zichzelf en het plaatsen ervan via diverse sociale mediakanalen - en zo proberen de persoonlijke representatie te beheersen en de verschijnselen van ijdelheid te bestendigen. In veel van haar werken gebruikt Khamara afbeeldingen van zichzelf en haar familie of vrienden, waardoor ze nauw met haar portretonderwerpen kan werken. In Kijk hoe ik door deze dunne vellen glijd (2011), wordt een stoffenvel met afbeeldingen van zichzelf en haar moeder gecombineerd met een spiegel, om de aandacht te vestigen op de mogelijkheid dat individuen meerdere aspecten van zichzelf ervaren.
Justine Khamara, orbitaal spin trick, 2013, UV print, laser gesneden multiplex, 50 x 50 x 50 cm. Fotograaf: John Brash | Met dank aan de kunstenaar
Bill Henson
Bill Henson (1955) maakt gebruik van een bepaald tijdstip van de schemering om foto's te maken van landschappen en jonge adolescenten die een soort 'moderne mythologie' creëren. De lichtomstandigheden van schemering en technieken van onderbelichting en drukaanpassingen laten Henson toe om contrasten van schaduw en licht-clair-obscur te bereiken, die verwant zijn aan stillevens van Vlaamse meesters. Zijn oeuvre roept een atmosfeer van transcendentie en bovennatuurlijke gebeurtenissen op, en onderzoekt het terugkerende thema van dualiteit. Zijn onderwerpen worden geportretteerd in duisternis en zwak licht, nooit rechtstreeks kijkend naar de lens, gedeeltelijk verborgen om een aura van mysterie en een bacchanaal bestaan te creëren. Henson's schilderachtige, geënsceneerde taferelen zetten de traditie voort van de 19e eeuws romantische literatuur en kunst en het concept van het sublieme, waarin de grootsheid van de natuur de tegenstrijdige gevoelens van verbazing, terreur en ontzag opwekt. Door de grens tussen realiteit en het onbewuste te vervagen, vervoert Henson de kijker naar een parallelle dimensie die zich achter dikke sluiers van duisternis verschuilt en rijkelijk beschuldigd wordt van verwijzingen naar ons verleden. Voor de kunstenaar zijn landschappen sterke elementen van onze herinneringen en zijn interesse om ze vast te leggen in memento mori -beelden die de kijker in een tijdloze wereld kunnen vervoeren. Bill Henson, Untitled 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, archivering inkjet pigment print, 180 x 127 cm | Met dank aan de kunstenaar en Tolarno Galleries, Melbourne Tracey Moffatt
Filmmaker, videokunstenaar en fotograaf Tracey Moffatt (1960) maakt tot nadenken stemmende werken die onderwerpen als ras, jeugdtrauma en de media onderzoeken, evenals Aboriginal onderdrukking, maternale overheersing, genderstereotypen en klassendeling. In de jaren tachtig geproduceerde werken zijn
Some Lads
(1986), een serie zwart-witfoto's die ze naast de kleurenfoto liet zien The Movie Star (1985). In Disappointed Dreams (1989) presenteerde Moffatt een rijk, gefragmenteerd verhaal met suggestieve beelden van geweld, glamour en teleurgestelde dromen. Haar interesse in machtsverhoudingen komt tot uiting in Scarred for Life (1994), een set lithografieën die foto's en tekst naast elkaar plaatsen en de lay-out en het formaat van oude, verbleekte Life tijdschriftpagina's nabootsen. De serie portretteert kindertijd en adolescentie als tijden die verzadigd zijn met geweld, verwaarlozing en psychologische onrust. In 1998 experimenteerde Moffatt met een nieuw medium, creërde Laudanum , een reeks fotogravures - of fotogravures - die zich concentreerde op de relatie tussen een vrouw en haar aboriginal dienaar. Haar recente oeuvre, 'Spirit Landscapes' (2013), te zien in QAGOMA in 2015, omvat vijf nieuwe fotografische series en een film, waarbij ze spiritualiteit, geheugen in het landschap en het bovennatuurlijke onderzoekt en een meditatie biedt over de betekenis van land en plaats door persoonlijke en universele geschiedenissen. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, kleurendruk op Fujiflex-papier, 132 × 114 cm, editie van 25 | Met dank aan de kunstenaar en Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney Patrick Pound
Centraal in de praktijk van Patrick Pound (1962) ligt de interesse in de verzamelbegrippen en het archief, waardoor hij een soort van 'in kaart brengen van de menselijke cultuur'. Met een kijk op de wereld die het vergelijkt met een puzzel, probeert de kunstenaar de stukjes één voor één opnieuw te verbinden door zorgvuldig gevonden foto's en ephemera te verzamelen, te categoriseren en classificeren. De praktijk van Pound heeft tot doel een onbereikbaar begrip te bereiken door middel van een oneindige verzameling. Zijn collages en assemblages van gevonden afbeeldingen en afgedankte objecten zijn niet willekeurig, ze functioneren eerder als definities in een woordenboek of vergelijkbaar gecompileerd en geconstrueerd bewijsmateriaal. Pound 'definieert' abstracte begrippen die op film worden vastgelegd, maar over het hoofd worden gezien door de algemene waarnemer-materialiserende portretten van het ongrijpbare. Portret van de wind (2013) bestaat bijvoorbeeld uit een grote verzameling gevonden portretten van mensen 'die toevallig in de wind waren', terwijl de Crime Scene-serie (2013) foto's bevat waarin de onderwerpen lijken te zijn overleden - in waarheid , de meerderheid van hen sliep.
De schaduw van de fotograaf
is een reeks foto's waarin de schaduw van de fotograaf op film wordt vastgelegd, terwijl het vermiste pond mensen heeft verwijderd uit ansichtkaarten en foto's met Photoshop. Liu Xiaoxian Oorspronkelijk uit China, Liu Xiaoxian (1963, Beijing) verhuisde in 1990 naar Australië, na het incident met de Tiananmen. Zijn Chinese achtergrond en zijn levenservaring als 'geadopteerde' Australiër spelen een belangrijke rol in zijn artistieke praktijk, die zowel de verschillen als de overeenkomsten tussen Oost en West onderzoekt over zaken als cultuur, traditie, politiek, religie, identiteit en geslacht . Via fotografie en beeldhouwkunst analyseert Liu iconische of cultureel significante westerse en oosterse symbolen als een uitdrukking van de migrantenervaring, door ze naast elkaar te plaatsen in zijn werk. Zijn monumentale tweeluik
Our Gods
(2000), in de verzameling van de kunstgalerie van New South Wales, brengt beelden samen van de lijdende Christus en de lachende Boeddha. Meer dan alleen naast elkaar geplaatst, zijn de twee portretten samengesteld - met behulp van montage en digitale manipulatie - van 22.500 kleine, herhaalde beelden van de andere, zoals pixels. In een eerder werk, My Other Lives (1 ), gebruikte Liu foto's uit zijn uitgebreide collectie vintage Australische familiealbums. De kunstenaar plaatste zijn gezicht digitaal in stereografische afbeeldingen van honderdduizenden Australische gezinnen. Liu probeert zichtbaarheid te geven aan een vaak over het hoofd geziene geschiedenis van Aziatische identiteiten binnen de constructie van de Australische cultuur, evenals met betrekking tot begrippen als verplaatsing, migratie en identiteit. Liu Xiao Xian: Van oost naar west. 7-12 september 2009, RMIT Gallery, installatieweergave. Foto: Mark Ashkanasy | Met dank aan RMIT Gallery, Melbourne Pat Brassington
Pat Brassington (1942), werkzaam in fotografie en digitale media, put invloeden uit het surrealisme en onderzoekt het griezelige en provocatieve effect dat dubbelzinnigheid heeft op de interpretatie. Haar werk ontvouwt zich tot beelden die veranderen als de inktvlekken van een Rorschach-test en zich openen voor de eindeloze mogelijkheden van onze innerlijke psychologische toestanden die te maken hebben met verhalen over seks, herinnering en identiteit. De dromerige beelden van Brassington combineren analoog en digitaal, verleden en heden, en creëren een dubbelzinnige, soms abstracte (sur) realiteit. In haar vroege werk gebruikte ze zwart-wit film om poëtische, donkere beelden van naakten in de buurt van deuropeningen en andere werken vast te leggen. In de jaren negentig week Brassington weg van het meer traditionele medium en begon digitale manipulatie te omarmen. Het vermogen om beelden uiteen te halen, te deconstrueren en opnieuw te construeren maakte plaats voor haar grenzeloze verbeeldingskracht en stelde haar in staat om haar aloude interesse in de ruimte tussen realiteit en fantasie na te streven. De kunstenaar maakt gebruik van gevonden foto's of bestaande foto's uit haar eigen persoonlijke verzameling, en combineert ze met 'vreemde elementen'. Storende beelden van mond gesnoerde mond, zoals in Forget Your Perfect (2008), verwrongen dijen en genitaliën-achtige elementen, zoals in haar serie
In My Mother's
House (1994), zijn maar een paar van de vele die ze heeft heeft geproduceerd. Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, pigmentprint, editie van 8, 72 x 50 cm | Met dank aan de kunstenaar en ARC ONE Gallery Peta Clancy
verkent Peta Clancy (1970) thema's als vergankelijkheid, tijdelijkheid, veranderlijkheid en de lichamelijke en subjectieve grenzen van het menselijk lichaam. Haar fotografische praktijk wijkt af van de tweedimensionale beperkingen om het uitgebreide veld van fotografie te omarmen, met ingrepen zoals piercing, crumpling, rillen en inbedding in wax, en het produceren van installatiestukken zoals
This Skin I'm In
(2002) - met afbeeldingen afgedrukt op stoffen kussens. Een preoccupatie met huid, sterfte en veroudering, haar serie Ze draagt het als een kaart op haar huid (2005-2006) bestaat uit beelden van de ogen van een vrouw en lippen die zijn doorboord met een fijne zilveren naald, om een kantachtig effect te creëren . Clancy zegt dat 'Skin geen wortels heeft, het scheurt gemakkelijk weg als papier', (PDF-download) en 'de oppervlakken van de huid en de foto staan centraal' in haar werk. Het besef van de kwetsbaarheid en kwetsbaarheid van het menselijk lichaam en hoe het zo snel kan veranderen, vormt de kern van een andere reeks papierdun (2007), waar het papier ook representatief is voor de menselijke huid - de kunstenaar niet alleen prikt het in, maar verfrommelt het alsof het een gerimpelde huid vertegenwoordigt. Wachten tot het stof zich vestigt (2000-2005) legt het verstrijken van de tijd en 'de minuut resten van ons dagelijks leven' vast met afbeeldingen van sporen en schaduwen achtergelaten door objecten wanneer ze van hun plaats zijn verwijderd. Vergrote fragmenten van stof en dode huid suggereren sterfte en 'het stof waaruit het lichaam komt en waarnaar het zal terugkeren.' Peta Clancy, Ze draagt het allemaal als een kaart op haar huid 1, uit de serie 'Punctuur', 2015, Type-C Fotodruk, 53 x 80 cm | Courtesy of the artist Trent Parke Magnum-fotograaf Trent Parke (1971) is geïnspireerd door zijn dagelijkse leven en werkt vooral met straatfotografie. In 2003 reisde Parke bijna 90.000 km door Australië met zijn vrouw en collega-fotograaf, Narelle Autio. Het resultaat was Minutes to Midnight, een verzameling foto's van de reis die een verontrustend portret vormen van het Australië van de eenentwintigste eeuw, van het uitgedroogde binnenland tot het chaotische leven in afgelegen Aboriginal-steden. In 2007 begon Parke aan een innerlijke reis, om zijn eigen leven en verleden te verkennen - zoals hij zegt - om mijn eigen geschiedenis op te graven. Zeven jaar lang werkte hij aan The Black Rose Diaries, getoond in de Art Gallery van South Australia in 2015. De serie begon toen Parke nadacht over een nacht toen hij op 12-jarige leeftijd getuige was van de dood van zijn moeder door een astma-aanval. Vanaf dat moment sloot de kunstenaar alle herinneringen aan zijn jeugd af, totdat hij de problemen confronteerde en begon er een oeuvre rond te creëren. Bestaand uit foto's, brieven en teksten, vertelt de serie niet alleen Parke's leven, verleden en heden, maar stelt ze ook universele vragen over ons bestaan. Afgeleid van zijn dagelijkse ervaringen en reflecties op het leven, is het werk een meditatie over de reizen van het leven en hoe heden, verleden en toekomst met elkaar samenhangen.
Trent Parke | © Jaaziel / Flickr, 2008
Petrina Hicks
Petrina Hicks (1972) maakt gebruik van 'de verleidelijke en glanzende taal' van commerciële fotografie - haar professionele achtergrond - om zich bezig te houden met kwesties van schoonheid en perfectie, terwijl ze ook de het vermogen van fotografie om processen van consumptie en verleiding te creëren en te corrumperen. Haar afbeeldingen bevatten ogenschijnlijk vlekkeloze onderwerpen, afgewisseld met 'buitenaards', griezelige elementen die de toeschouwer verontrusten - wijzend op de spanning tussen schoonheid en imperfectie. In Shenae en Jade (2005) heeft een jong model een budgie bij de hand in haar mond - een onwaarschijnlijke, onconventionele combinatie die het perfectionistische portret in mode-stijl uit balans brengt. Hicks onderzoekt vaak de vrouwelijke identiteit, verwijst naar mythologie en kunstgeschiedenis en koppelt ze aan de hedendaagse beeldcultuur. Dit is te zien in
Hippy and the Snake
(2011), een serie bestaande uit een video en grootschalige foto's die op subtiele wijze verwezen naar Eva en de slang in een opnieuw ingebeelde Garden of Eden. In
Venus en The Birth of Venus wijst ze treffend op een mythologische godin en andere vrouwelijke symboliek, terwijl ze ook meer hedendaagse opvattingen over feminisme en de geseksualiseerde mannelijke blik weerkaatst. (PDF download) Andere werken verwijzen naar de symbiotische relatie tussen mens en dier, zoals Lambswool of Rosemary's Baby (2008). Petrina Hicks, Shenae en Jade, 2005, van de serie Untitled 2005, lightjet print | Met dank aan de kunstenaar en Michael Reid Gallery Sonia betaalt De fotograaf en nieuwe mediakunstenaar Sonia Payes (1956) is in de afgelopen jaren richting het surrealistische gegaan en heeft spookachtige, gelaagde beelden gemaakt waarin elementen worden omgekeerd, verduisterd en onzichtbaar achtergelaten. Door middel van haar fotografische oefeningen en haar nieuwe multimedia-animaties en driedimensionale installaties onderzoekt Payes thema's van vernietiging van het milieu, apocalyps en vernieuwing van onze toekomst. De kunstenaar kreeg aandacht met haar fotografische essays over 60 Australische artiesten in
UNTITLED.
Portretten van Australische kunstenaars
, gepubliceerd door Macmillan in 2007. In 2012 nam Payes een residentie in met de Australia China Art Foundation op het platteland Beijing, dat culmineerde in de productie van de Interzone -serie, getoond in Fehily Contemporary in 2013. Tijdens haar verblijf in Beijing werd Payes ondergedompeld in de barre omgeving van de snelle stedelijke ontwikkeling in China - landbouwgrond werd snel vervangen door steengroeven en cement. De kunstenaar was getuige van belangrijke veranderingen, niet alleen in het landschap en de omgeving, maar ook in menselijke relaties. Via haar serie leverde Payes een sociaal commentaar en reflecteerde het op de nieuwe relatie tussen mens en milieu die werd veroorzaakt door de enorme industrialisatie in China. 'Re-generation' (2014) onderzocht de praktijk van Payes door middel van verschillende werken, waaronder Earth Warriors en Ice Warriors - voorgesteld als 'gidsen' om de mensheid ertoe aan te zetten nieuwe oplossingen te vinden voor de degradatie die wordt toegebracht onze omgeving. Andere series illustreren en reflecteren over de veerkracht van de mensheid en haar vermogen om eindeloos te veranderen en zich aan te passen aan de veranderlijke omgeving van de aarde. Sonia Payes, Water warriors, uit de Warrior Series 1, 2014, Type-C print, editie van 5, 56 x 196 cm | Met dank aan de kunstenaar
