10 Hedendaagse Filippijnse Kunstenaars Om Te Weten
Ronald Ventura
In 2011 brak Ronald Ventura het record voor de meest opvallende Zuidoost-Aziatische schilderkunst in Sotheby's Hong Kong toen zijn grafiet-, olie- en acrylwerk getiteld Grayground verkocht voor $ 1,1 miljoen. Ventura's schilderijen en sculpturen zijn voorzien van meerdere lagen afbeeldingen en stijlen, symbolisch voor de veelzijdige nationale identiteit van de Filippijnen - een land dat door de geschiedenis heen is gekoloniseerd door de Verenigde Staten, Spanje en Japan. Ventura's werk belichaamt de complexiteit van de postkoloniale cultuur door de juxtapositie van oosterse en westerse motieven; hoge en lage cultuur; traditie en vooruitgang; heden en verleden.
Alfredo en Isabel Aquilizan
Partner van man en vrouw Alfredo en Isabel Aquilizan emigreerden in 2006 naar Australië - een evenement dat een integraal onderdeel werd van hun artistieke praktijken. Hun werk spreekt van gemeenschap, persoonlijke ervaring, geheugen en verplaatsing, naast de emotionele en psychologische gevolgen van migratie. De Aquilizans gebruiken vaak cultureel belangrijke objecten als metaforen van de 'geleefde ervaring'. In 2006 exposeerden ze Project Belonging: In Transit op de Biënnale van Sydney; gemaakt met traditionele balikbayan dozen gebruikt door Filippino's om hun bezittingen over de hele wereld te verzenden, de installatie deed de reis van het stel naar Australië herleven. Dit werk is geëvolueerd naar Project Another Country: Address (2008), gemaakt van de inhoud van 140 balikbayan dozen, elk zorgvuldig verpakt en samengesteld met persoonlijke items. De Aquilizans hebben sindsdien verschillende werken geproduceerd met betrekking tot de lokale gemeenschap, gebruiken gedoneerde materialen en creëren complexe installaties van objecten van betekenis.
Mark Salvatus
Thema's van urbanisme en de dagelijkse politiek staan centraal in het werk van multidisciplinaire kunstenaar Mark Salvatus, die fungeert ook als mede-oprichter van lokale straatartiestengroepen Pilipinas Street Plan en 98B Collaboratory. Geïnspireerd door zijn stedelijk landschap, populaire cultuur en de media, beeldt Salvatus de hedendaagse ervaring af, zowel in zijn geboorteland Filippijnen als in de plaatsen waarnaar hij reist. Salvatus verbindt cross-culturele overeenkomsten, zoals weergegeven in Haiku (2013) - een videoprojectie van graffiti die de kunstenaar tijdens zijn reizen in Japan, New York, Australië en Indonesië fotografeerde. De video verbindt anders niet-verwante mensen en culturen om een wereldwijde dialoog tot stand te brengen. In 2014 presenteerde de kunstenaar Latitudes in het Cultureel Centrum van de Filippijnen - een reeks van drie werken die zich bezighouden met sociaal-politieke kwesties rond de hulpbronnen van land, lucht en water.
Gary-Ross Pastrana
Bekende objecten worden onherkenbaar gedeconstrueerd in de conceptuele werken van Gary-Ross Pastrana tot een punt waarop ze een nieuwe vorm, betekenis en functie erven. Pastrana is geïnteresseerd in de gevolgen van het transformeren van de lichamelijkheid van een object, waarbij hij observeert hoe de connotaties vervolgens worden gewijzigd. Set Fire to Free (2002) onderzoekt of een object zijn 'ding-heid' kan behouden als het wordt verbroken. Pastrana verwoestte een ladder, verbrandde een deel van de overblijfselen en creëerde een vogel uit zijn as. Voor Two Rings (2008) smolt de kunstenaar twee ringen van zijn moeder en vormde ze tot een zwaardachtig object om te onderzoeken of die fysieke transformatie de sentimentaliteit of de waarde van het materiaal zou veranderen. Pastrana concludeerde dat de geldwaarde niet verloren zou gaan, maar belangrijker nog, hun sentimentele waarde wordt groter naarmate de eigenschappen van de ringen samensmelten. Pastrana herconfigureert de werkelijkheid om de waarheid van een object te onthullen.
Gary-Ross Pastrana, Untitled (Horizon), 2014. Collage. | Met dank aan de kunstenaar en Silverlens.
José Santos III
José Santos III daagt al lang de perceptie van 'het alledaagse' uit. In zijn vroege werken schilderde Santos hyper-realistische trompe l'oeil -scènes en surrealistische, dromerige composities. De multimediakunstenaar heeft een cryptische stijl ontwikkeld en laat zijn werk open voor interpretatie. Hij blijft zich bezighouden met fascinatie voor objecten in een poging om hun geschiedenis bloot te leggen, en verduistert tegelijkertijd de kijk van de kijker op het vertrouwde. In ² huid (2014), en tentoonstelling in Pearl Lam Galleries, presenteerde Santos een nieuw oeuvre met alledaagse objecten doordrenkt met nieuwe betekenissen. Ongeziene objecten worden vaak in de schijnwerpers geplaatst, opnieuw gepositioneerd om een nieuwe ervaring te creëren. Santos roept een hernieuwde waardering op voor het verborgene en laat ons zien in hoeverre we dingen als vanzelfsprekend beschouwen in het dagelijks leven. Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli is een zelfbenoemde 'mislukte muzikant' en graffitikunstenaar wiens werken de geschiedenis van drone metal, black metal en alles rock n 'roll. Zijn werken en tentoonstellingen worden vaak geïnspireerd door songteksten, zoals zijn show in 2013 bij Silverlens getiteld
wit als maanlicht, zo wit als bot, zo donker als de slang, zo donker als de troon . De grafietgrijze tekeningen van de popcultuur onderzoeken de 'donkere kant' van de popcultuur en onthullen afbeeldingen van schedels, donkere wouden, hangende sloten, discoballen, ingegooide gitaren, dode rocksterren en tatoeageemblemen. De kunstenaar legt uit dat zijn praktijk minder gaat over het zijn van een groupie, en meer over het presenteren van een minder chaotische kant van de industrie. Zijn tentoonstelling in 2014 The Dust of Men werd geïnspireerd door het werk en de esthetiek van Stanley Kubricks iconische 2001: A Space Odyssey. Van beelden van opoffering tot verval, deze tentoonstelling toonde de eeuwige kwetsbaarheid van mensdom. Costantino Zicarelli, 'Until the Light Takes Us VI', 2013. Grafiet op papier. | Met dank aan de kunstenaar en Silverlens.
Norberto Roldan
Oprichter van Black Artists in Azië - een in de Filippijnen gevestigde groep gericht op sociaal en politiek vooruitstrevende artistieke praktijk - en Green Papaya Art Projects, Norberto Roldan spreekt lokaal sociaal, politiek en culturele kwesties. Zijn verzameling van tekst, afbeeldingen en gevonden objecten houden rekening met de geleefde ervaring van het dagelijks leven in de Filippijnen, naast de geschiedenis van het complexe land en het collectieve geheugen. Roldan legt bijzondere nadruk op historische objecten en hun vermogen om betekenis te behouden als ze eenmaal zijn weggegooid en vergeten, en vraagt zich af of een object inherent sentimenteel is of exclusief met betekenis is begiftigd. Zijn assemblage getiteld
In Search For Lost Time 1/2/3/4 (2010) werd geïnspireerd door het appartement van Hitler in Berlijn, dat vermoedelijk niet in overeenstemming was met de aard van de megalomane dictator. Het werk bevraagt de manieren waarop objecten reflecteren wie we zijn. Het begin van de geschiedenis en fatale strategieën (2011) werd geïnspireerd door het essay van Jean Baudrillard getiteld Het einde van de geschiedenis en betekenis , in wat de filosoof beweert dat globalisering de ontbinding van de geschiedenis en de ineenstorting van vooruitgang heeft versneld. Elk werk is een verzameling oude objecten die in kasten worden getoond, en herinnert aan een verleden dat is gefabriceerd door een poging om een gevoel van orde te creëren uit vergeten herinneringen. Norberto Roldan, 'Sacred Is The New Profane 1', (tweeluik), 2010. Assemblage met gevonden voorwerpen. 24 x 48 inch. | Afbeelding met dank aan de kunstenaar en Lightbombs Contemporary.
Louie Cordero
Het rijkelijk versierde en vaak grotesk humoristische multimediale werk van Louie Cordero combineert inheemse tradities, Spaans katholicisme en de Amerikaanse popcultuur met een lange geschiedenis van spanningen. Zijn levendig gekleurde composities putten uit de esthetiek van b-film-horrorfilms, heavy metal-muziek, strips, folklore en straatleven, waarbij ze betrokken zijn bij kwesties die voortkomen uit het koloniale verleden van de kunstenaar en de katholieke opvoeding. Op de Biënnale van Singapore in 2011 presenteerde Cordero een verontrustende multimedia-installatie met de titel
My We , geïnspireerd door de toenmalige moorden op onschuldige mensen die Frank Sinatra's My Way zongen in bars rond de Filippijnen. De installatie toonde een veelvoud van fiberglasfiguren die over hun hele lichaam waren gestoken met gebroken lichaamsdelen. Op de achtergrond projecteerde een video-installatie het fatale nummer van Sinatra om een griezelige herhaling van de macabere gebeurtenissen te creëren. Rodel Tapaya
Rodel Tapaya put uit thema's van herinnering en geschiedenis, weeft hedendaagse realiteit met volksverhalen in een levendige tableaux geïnspireerd door volksverhalen en pre-koloniale geschiedenis.
Cane of Kabunian, genummerd maar niet geteld (2010) heeft hem de Signature Art Prize 2011 gewonnen. Het schilderij - getoond op de 10e Gwangju Biënnale in 2014 en nu gehuisvest in de Tiroche De Leon-collectie - bevat beelden uit de Filippijnse folklore, waarin meerdere verhalen en uiteenlopende allegorische verwijzingen zijn samengevoegd, van de centrale hondenfiguur tot mythes van oorsprong en andere wezens. Tapaya waarschuwt tegen hebzucht en vernietiging van het milieu door de mensheid. In dezelfde geest zegt Mountain Fantasies (2012) over de gevaren van overmijning en het belang van het behoud van de natuur. Het schilderij heeft invloed van Filipijnse legendes zoals de prachtige bosgodin Maria Makiling die de bossen beschermt en geesten die zaailingen voeden waar oude bomen zijn gestorven. Het werk van Tapaya dient als een kritiek op de haast van de mensheid om vooruitgang te boeken ten koste van de wereld om ons heen. Martha Atienza
Geboren door een Nederlandse moeder en een Filippijnse vader, is Martha Atienza tussen haar en de Filippijnen door heel haar land verhuisd het leven en haar gemengde achtergrond worden weerspiegeld in haar videowerk. Ergens tussen verbeelding en begrip, haar werk is een sociologische studie van haar omgeving. Atienza is geïnteresseerd in het onderzoeken van het potentieel van hedendaagse kunst als instrument voor het instellen van sociale verandering. Samen met Rodel Tapaya was ze een van de finalisten voor de Soevereine Aziatische Kunstprijs 2013/2014, waar ze haar werk
eindeloze uren op zee presenteerde. De video-installatie is een eerbetoon aan de geschiedenis van oceaanreizen, geïnspireerd door het verleden van haar vader als zeekapitein. Met een bewegende video van de zee gebroken door een glas water en vergezeld van het geluid van de oceaan, vangt dit werk de illusie van bewegend water op en suggereert een gevoel van hallucinatie veroorzaakt door de isolatie van een leven op zee.
