8 Must-See Schilderijen In Het Musée D'Orsay
Een begrafenis bij Ornans (ca. 1849), Gustave Courbet
Een pionier van de middenklasse 19e eeuws Frans realisme, probeerde Gustave Courbet het schilderen te verplaatsen van wat hij zag als het elitaire academisme van romantische kunstenaars als Jacques-Louis David, Eugène Delacroix en Jean-Auguste-Dominique Ingres. Courbet wilde een nieuwe, sociaal bewuste esthetiek creëren, gebaseerd op de materiële wereld en de ongehaaste boerenklasse monumentaliseren. De enorme grootte van A Burial At Ornans is een intentieverklaring; voor het eerst in de geschiedenis waren de armen vooraan en in het midden - een privilege dat alleen de rijke en klassieke figuren wordt geboden. Het schilderij gaat op subtiele wijze in op de toenemende secularisatie van Frankrijk in die tijd, met geestelijken afgeschilderd als grove karikaturen met hun rug naar Christus gekeerd, die schijnbaar onopgemerkt blijft door de rouwenden.
Gustave Courbet - A Burial at Ornans - Google Art Project 2 | © Google Art Project / WikiCommons
Bal du Moulin de la Galette (1876), Pierre-Auguste Renoir
Terwijl de schilderijen van Courbet erop gericht waren de boerenstand tot het artistieke front te brengen, Pierre-Auguste Renoir's Bal du Moulin de la Galette veroverde de ontluikende cafécultuur en de bourgeoisieklasse, die in de jaren 1870 door Parijs raasde. Na de jaren 1850 en 1860 toen Baron Haussmann de Franse hoofdstad herontwikkelde van een vuile, krappe middeleeuwse stad tot een moderne stad met brede boulevards, open ruimtes en geüniformeerde gebouwen, werd Parijs een stedelijk centrum voor kunstenaars, schrijvers en een hedonistische klasse van rijke mensen. feestvierders. Het schilderij van Renoir legt de levendigheid vast van dit nieuwe Parijs - een stad waarin mensen op hun gemak konden genieten van de dag, dansend en drinkend met hun vrienden. Dit werk biedt verbluffend inzicht in de mode en de geest van deze tijd, een iconische weergave van deze levendige, romantische stad.
Auguste Renoir - Dans in Le Moulin de la Galette - Musée d'Orsay RF 2739 (afgeleid werk - AutoContrast bewerken in de LCH-ruimte) | © WikiCommons
Dinner at the Ball (1879), Edgar Degas
Een heel klein schilderij en zeker niet een van de meer bekende werken van Degas op de d'Orsay, Dinner At The Ball is een verbluffend en genuanceerd stukje sociaal commentaar. Bij de eerste indruk lijkt deze foto veel gemeen te hebben met Renoir's Bal du Moulin als een beeld van de samenleving in het spel beschreven in levendige kleuren, maar het lijkt meer een waarschuwing dan een viering van de bourgeois te zijn status quo. In een omgeving van een dergelijke decadentie, gevuld met kroonluchters, dure pakken en jurken rijke gouden en rode decoraties, zijn de cijfers teruggebracht tot een niveau van volledige gezichtsloze, anonimiteit. De vervagingstechniek roept niet alleen de energie van de ruimte op, maar suggereert ook een soort van vergankelijkheid en het idee dat niets stabiel is of een eigen individuele identiteit heeft in deze materialistische wereld. We moeten op onze hoede zijn, ontkent Degas om onze individualiteit niet uit te wisselen voor een leven van weelde en overdaad.
Olympia (1863), Edouard Manet
Een van de meest controversiële schilderijen van de eeuw, Edouard Manet's Olympia ontzet critici toen het voor het eerst werd tentoongesteld in 1863. Uitdagend de traditie van het klassiek geïdealiseerde naakt dwong Manet zijn toeschouwers om naar een 'echte' hedendaagse vrouw te staren. Olympia is een prostituee, schaamteloos comfortabel met en trots op haar naaktheid, kijkend rechtstreeks naar de kijker - in tegenstelling tot de artistieke conventie van vrouwen als passieve paragons van schoonheid. Manet probeerde niet alleen het precedent te doorbreken, maar belicht ook de ironie van de nieuwe 'modernisering' van Parijs, toen de high society de seksuele bevrijding en zelfbewustzijn van vrouwen nog steeds niet kon verhullen. Critici namen aanstoot aan de thematische inhoud van het schilderij en aan de stijl van de kunstenaar, die ze als te simplistisch beschouwden met een gebrekkige compositie.
Bazille's Studio, (1870) Frédéric Bazille
De spanningen rond traditionele geslachtsrollen werden steeds groter naarmate de 19e eeuw vorderde en Frédéric Bazille's Bazille's Studio onderstreept effectief de ongelijkheid tussen mannen en vrouwen in de kunstwereld op dit tijd. Het schilderij beeldt een groep mannen af - vermoedelijk de vrienden van de kunstenaars - observeren, praten en analyseren, met naakte figuren als de enige vrouwelijke aanwezigheid in het werk. Deze muzen zijn niets anders dan symbolisch - gevangen in hun pastorale huiselijke scènes, alleen om te worden geobjectiveerd en beoordeeld, voyeuristically, door de mannelijke intellectuelen in het schilderij.
Frédéric Bazille - Bazille's Studio - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2guA bij Google Cultural Institute / WikiCommons
The Cardplayers (1890-1895), Paul Cézanne
Een van de verschillende schilderijen met kaartspelers die Paul Cézanne in de vroege jaren 1890 produceerde, The Cardplayers is een van de meest duurzame werken van de Post-Impressionistische Tijd. Cézanne streefde, net als Courbet voor hem, naar gemeenschappelijke leden van de boerenstand die zijn geboortestreek de Provence bevolkte. Niet geïnteresseerd in het realisme, echter, schildert Cézanne zijn figuren af met brede penseelstreken, verzadigd met aardetinten zoals sinaasappels en bruin om de warmte van dit gebied en zijn bewoners over te brengen. Weg van de hectische wereldstad Parijs, wilde Cézanne dat zijn provinciale kunst de stabiliteit en harmonie vertegenwoordigde die aanwezig was in het archaïsche leven.
Card Players-Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons
Londen, Houses of Parliament (1904), Claude Monet
Hoewel Claude Monet het best in verband kan worden gebracht met afbeeldingen die Parijs en het Franse platteland, Londen's Houses of Parliament waren het onderwerp van enkele van de meest boeiende werken van de kunstenaar in zijn latere jaren. Monet, een impressionistische pionier, verwierp de traditionele nadruk op nauwkeurigheid in kunst; in plaats daarvan probeerde hij de essentie van een moment vast te leggen, zoals de zon die door mist snijdt. Concurrerend met de ontluikende technologie van fotografie, vond Monet dat schilderijen de wereld moeten weergeven op een manier die geen enkele camera ooit zou kunnen. Londen, Houses of Parliament is een briljant archetypisch voorbeeld van de impressionistische stijl die Monet beheerste, waardoor gebruik van ingetogen rode en oranje tinten in contrast met donkerdere blues en het zwarte silhouet van de gebouwen van het Parlement om deze lucht van zonlicht op te roepen die door waas opdoemen.
Claude Monet 015 | © nalatenschap van Comte Isaac de Camondo en Musée d'Orsay / WikiCommons
Zelfportret (1889), Vincent Van Gogh
Het iconische Vincent van Gogh <1 Zelfportret is een van de afgelopen 40 schilderijen die de kunstenaar in zijn korte carrière van zichzelf heeft geproduceerd. Toen hij in 1886 naar Parijs verhuisde en leerde van de werken van zijn impressionistische tijdgenoten, fuseerde Van Gogh deze invloeden met die van Japanse houtblokkunst zoals ukiyo-e om een delicate, vloeiende stijl te creëren. Maar voor Van Gogh waren deze zelfportretten meer dan alleen een proces van artistieke experimenten en zelfpromotie - ze waren een poging om het samenhangende 'zelf' te begrijpen, dat vooral verward was door zijn langdurige gevecht met manische depressie. Zijn ziekte blijft zijn werk voortdurend achtervolgen; de sombere, vuurharige Van Gogh is grotelijks onverenigbaar met de vrolijke penseelstreken die de achtergrond vormen - misschien een verwijzing naar het eigen gevoel van ongemak en vervreemding van de omgeving van de kunstenaar.
Vincent van Gogh - Zelfportret - Google Art Project | © 9gFw_1Vou2CkwQ via Google Cultural Institute / WikiCommons
Musée d'Orsay, Rue Légion d'Honneur 1, 75007 Parijs +33 1 4049 4814. Dagelijks geopend van 9.30-18.00 uur, donderdag tot 21.45 uur, maandag gesloten. € 12, € 9 concessies, gratis onder de 18 jaar en leden.
