10 Japanse Hedendaagse Kunstenaars Die Revolutionaire Kunst Zijn
van vloeiende beweging van een fysiek materiaal, de dynamiek van organische, wilde vormen en de vloeistofbewegingen door middel van digitale computerbesturing.
Sachiko Kodama, Morpho Towers: Two Standing Spirals, 2013 | © Digitalarti / Flickr
Tetsutoshi Tabata Tetsutoshi Tabata is een visuele installatiekunstenaar, die nauw betrokken is bij dansvoorstellingen en geprojecteerde scenografie. In 1994 was hij mede-oprichter van 66b / cell, een collectief dat real-time en vooraf opgenomen computergraphics en animatie gebruikte om verschillende texturen, belichting en kinetische effecten te creëren. Op dit moment is hij bezig met het ontwikkelen van een origineel multiple projection imaging-systeem. Een werk dat hij ontwikkelde met zijn collectief, Living Lens
(Kobe Biennale, 'Art in Container', 2009) - gemotiveerd door het concept van 'poetic felt space' - werd opgevat als een tuin / habitat met een organische tijdscyclus en bestond uit geprojecteerde beelden, geluiden en kijkerslichamen. De gecreëerde omgeving integreerde een geavanceerde visuele technologie genaamd 'Saccade-gebaseerd beeldscherm', die de scanfunctie van menselijke oogbewegingen -accessades gebruikt om beeldmatrices waar te nemen via een LED-weergavesysteem. De beelden in de projecten zijn afgeleid van afbeeldingen van Australische plant-, dieren- en landschapsstructuren, terwijl de interieurinstallatie in de zeecontainer is geïnspireerd op elementen van traditioneel Japans tuinontwerp.
66b / cell, Living Lens. Beeldmateriaal: Tetsutoshi Tabata. Danser: Hirotsugu Saegusa | Courtesy media performance-eenheid 66b / cell
Daito Manabe Daito Manabe is een componist, computerprogrammeur, ontwerper, DJ en VJ die innovatieve projecten op het gebied van kunst en technologie maakt. Zijn 'uitvoeringen' verkennen de manieren waarop ons lichaam interacteert met technologische vooruitgang en stelt mogelijke hybriden voor - zowel bestaande als nog te komen - tussen mens en machine. In zijn werken heeft hij geëxperimenteerd met myo-elektrische sensoren om de gezichten van mensen te transformeren in drummachines, trainers te gebruiken als soundmixers en LED's op tanden aan te brengen. In een project visualiseerde hij FaltyDL's muziek met schokkerige, geëlektrificeerde bewegingen van het menselijk lichaam. Op Sónar 2014 presenteerde Manabe een nieuwe interactieve show waarin videomapping en hedendaagse dans werden gecombineerd. Hij gebruikt zijn vaardigheden in muziek en programmeren om scenario's te creëren die de perceptie veranderen van hoe onze eigen lichamen omgaan met technologieën. Tijdens zijn shows bestuurt hij bijvoorbeeld muziek - als een DJ - met behulp van elektrische impulsen vanuit zijn gezichtsspieren, en hij heeft zelfs zijn Nikes uitgerust met sensoren die geluid triggeren en manipuleren. Daito Manabe, optreden in Sónar, Barcelona, 2014. Foto: Toni Rosado | © scanner FM / Flickr
Ryota Kuwakubo
Multimediakunstenaar Ryota Kuwakubo (1971) ontwerpt en bouwt zijn eigen elektronische apparaten, die eruit zien als low-tech gadgets, zoals
Bitman
(1998) , een filmdisplay-apparaat met pixels gemaakt in samenwerking met collectief Maywa Denki. Kuwakubo werkt met verschillende media, meestal met digitale of elektronische elementen, en onderzoekt thema's die zich richten op de relatie tussen contrasterende zaken - analoog en digitaal, mens en machine, afzender en ontvanger van informatie, onder anderen. Zijn werk houdt zich bezig met de kijkers en maakt hen noodzakelijke deelnemers aan het eindresultaat. In 2011 creëerde Kuwakubo
Het tiende sentiment
, een installatie die alledaagse, huishoudelijke voorwerpen gebruikte, gerangschikt op de vloer van een lege ruimte. Een elektrische modeltrein uitgerust met een LED-licht gemanoeuvreerd langs een reeks sporen zodanig gerangschikt dat het licht op de objecten zou schijnen en grote schaduwen op de muur zou werpen. Deze schaduwen namen de vorm aan van bewegende mensen, stadsgezichten, tunnels en een verscheidenheid aan anderen, waardoor een meeslepende installatie werd gecreëerd voor de mensen die door de kamer liepen. Ryota Kuwakubo, Lost # 2, Ars Electronica 2011. Foto: Florian Voggeneder | © Ars Electronica / Flickr Koki Tanaka Koki Tanaka observeert het alledaagse - leven en de kleine, onverschillige details - en transformeert het in magische en fantastische evenementen, gearrangeerd met een uniek gevoel voor humor en een prikkelende analyse die de vreemd en griezelig in ons bestaan. De kern van zijn praktijk ligt in een op samenwerking gebaseerde benadering die gemeenschapszin impliceert, en benadrukt het belang van deelname aan de processen van creativiteit en verbeelding. Zijn video's leggen eenvoudige gebaren vast, geven ze hernieuwde intensiteit en betekenis, zoals in Process of Blowing Flour
(2010). Zijn acht-kanaals video-installatie
Everything Is Everything
(2006) toont de kunstenaar en zijn assistenten interactie met een verscheidenheid aan alledaagse objecten, tot het punt van testen en uitbreiden van hun fysieke eigenschappen, waardoor ze een nieuwe betekenis verwerven of functie. In andere werken wordt de performatieve actie uitgebreid tot een grotere groep mensen - anders dan hijzelf - zoals in zijn eerste samenwerkingswerk A Haircut by 9 Hairdressers at Once (tweede poging) (2010) in een kapsalon in San Francisco of in zijn Precaire taken -series zoals S met een zaklantaarn terwijl we 's nachts lopen ; Praten over je naam tijdens het eten van noodvoeding ; Dromen delen met anderen en vervolgens een gezamenlijk verhaal maken. Koki Tanaka, precaire taken # 4 dromen delen met anderen en vervolgens een gezamenlijk verhaal maken, 2013 | © Met dank aan de kunstenaar, Vitamin Creative Space, Guangzhou en Aoyama Meguro, Tokio Tokujin Yoshioka Prijswinnende kunstenaar en ontwerper Tokujin Yoshioka creëert meeslepende installaties die de ruimte in de oneindigheid lijken te vergroten en sensaties van vrede en rust omarmen. Zijn op de natuur geïnspireerde futuristische omgevingen overbruggen kunst, design, wetenschap en technologie om extreme zintuiglijke ervaringen te bieden. In 2010 creëerde hij een werk getiteld Snow - een installatie van 15 meter die sneeuw nabootst, niet alleen visueel, maar ook qua beweging en tactiliteit, in de
tentoonstelling Sensing Nature
van het Mori Art Museum . De sneeuw, vertegenwoordigd door honderden kilo's veren, werd rondgeblazen in een reusachtig aquariumachtig glazen omhulsel. Yoshioka's soloshow
Crystallize op MOT (Museum van Hedendaagse Kunst Tokyo) in 2014, gekenmerkt door een reeks van werken geïnspireerd door de zelfgenererende, zelforganiserende processen gevonden in natuurlijke fenomenen. Swan Lake was schilderen getrokken door de vibratie van muziek, terwijl Rose het beeldhouwwerk was van een gekristalliseerde bloem. De installatie Rainbow Church werd gebouwd van kristallen prisma's en creëerde een magische omgeving van kleurrijke brekende lichten en illusies. Taro Shinoda Met een opleiding in landschapsarchitectuur en tuinbouw, interdisciplinair kunstenaar Taro Shinoda (b 1964) creëert werk dat voortkomt uit zijn passie voor de natuur en zijn interesse in het begrijpen van het universum - inclusief de kosmische ruimte - als een natuur in het proces van evolutie, waarin de natuur samengaat met menselijke activiteiten. Shinoda onderzoekt thema's van begeerte, meditatie en aanpassing en hij put uit zijn uitgebreide en gevarieerde kennis van natuurwetenschappen, techniek, architectuur en landschapsarchitectuur. Zijn sculpturen en installaties bevatten hoog technologische handgebouwde componenten, naast de elementen van de traditionele Japanse tuin - een terugkerend thema in zijn oeuvre. Voor zijn filmwerk Lunar Reflection Transmission Technique (2007), Shinoda liet zich inspireren door zijn jeugdherinneringen van het proberen te communiceren met zijn moeder over grote afstanden. Hij bouwde een astronomische telescoop uit golfkarton met een bijgevoegde videocamera en filmde de maan vanuit verschillende locaties over de hele wereld, waaronder Istanbul, Boston en Tokio. Taro Shinoda, Model of Oblivion, Mori Art Museum 2010 | © tomo nosi / Flickr
Tatsuo Miyajima
Beeldhouwer en installatiekunstenaar Tatsuo Miyajima maakt hoog technologisch werk waarin materialen worden gebruikt zoals elektrische circuits, video en computers, gecentreerd rond het gebruik van digitale lichtgevende diode (LED) tellers - of 'gadgets' - sinds de late jaren tachtig. Miyajima's belangrijkste artistieke concepten - 'Keep Changing', 'Connect with All' en 'Goes on Forever' - bestaan naast en zijn geïnspireerd op humanistische ideeën en de leer van het boeddhisme. Zijn werk wordt geïnformeerd door een interesse in ideeën over continuïteit, verbinding, eeuwigheid en de stroom van tijd en ruimte. Naast het creëren van hypnotiserende werken met flikkerende lichten en cijferweergaven die oneindig van 1 tot en met 9 tellen, bouwt Miyajima ook immersieve installaties, zoals zijn -levenpaleis (theekamer) , 2013. Een kamer, bedekt met rood leer aan de buitenkant, gastheren een bezoeker tegelijk in een spelonkachtige constellatie van flikkerende digitale cijfers en blauwe lichten. De omgeving gecreëerd binnen het werk stimuleert contemplatie en isolatie - filosofische aspecten die in het drukke hectische leven van vandaag zelden worden bereikt.
Mariko Mori
De minimalistische en futuristische visie van Mariko Mori komt tot uiting in werken in een breed scala aan media, inclusief video, fotografie, nieuwe media en installatie. Haar oeuvre stimuleert een reflectie op onze relatie met technologie en de mogelijkheden van onze interactie ermee. Een onderliggend, terugkerend thema in haar werk is ook de nevenschikking van de oosterse mythologie en de westerse cultuur. Mori verkent de grens tussen realiteit en utopie en biedt een synthese van tegenstellingen zoals realiteit en fantasie, ernst en humor, mens en machine, technologie en natuur, wetenschap en religie. In haar veelgeprezen
Wave UFO (1 -2002), die ook deel uitmaakte van de Biënnale van Venetië in 2005, is een futuristische, scheepsachtige interactieve installatie in de vorm van een traan. Drie bezoekers tegelijk betreden de ruimte om een door computer gegenereerde lichtshow van drie minuten te ervaren op basis van projecties van hun eigen hersengolven, gevolgd door een grafische animatie van drie minuten door Mori. Riyoji Ikeda
Nieuwe media en geluidskunstenaar Ryoji Ikeda creëert meeslepende installaties die zich bezighouden met geluid in een verscheidenheid van 'ruwe' staten - sinustonen en ruis - vaak met behulp van frequenties aan de rand van het menselijk gehoorbereik. De door de computer gegenereerde geluiden worden visueel omgezet in videoprojecties en digitale patronen. De installaties van Ikeda, door het gebruik van schaal, licht, schaduw, volume, schaduw, elektronische geluiden en ritme, zorgen voor een synthetische ervaring. Voor zijn gerenommeerde
testpatroon [no.5] gebruikt hij vijf projectoren om een 28 meter lange 8 meter brede vloer te verlichten met barcode en binaire patronen van nullen en enen die zijn geconverteerd van data inclusief tekst, geluiden, foto's en films. Ikeda maakt ook eenmalige uitvoeringen, zoals zijn datamatica [versie 2.0]
audiovisueel concert. Hij onderzoekt en past wiskundige en wetenschappelijke methoden toe om muziek, tijd en ruimte vorm te geven. Door zijn werk kan Ikeda de complexiteit van de menselijke waarneming onthullen door de fysieke eigenschappen van geluid en visie door digitale technologie te manipuleren en te transformeren.
Ryoji Ikeda, testpatroon [no.5], 2013, audiovisuele installatie bij Carriageworks . In opdracht en gepresenteerd door Carriageworks en ISEA2013 in samenwerking met Vivid Sydney. Afbeelding Zan Wimberley | © Carriageworks / WikiCommons
